“Psyché” : oltre la materia!

Pietro Romano, 12–23 Aprile, “Psyché” da Gino Ramaglia a Napoli, Via Broggia, Napoli.

Curata e guidata da Domenico Di Caterino, da “Psyché” a “P’ietro Corpo&Anima”.

“Ammazzando Dio nella croce la carne di Cristo ammazzò la mia e risuscitando Dio Cristo, risuscitò me.

Ora, essendo questo vero, che io sono morto e sepolto, bisogna che in me non sia maggior vivezza di affetti e di appetiti che è in un uomo, il quale veramente e con effetto sia morto e sepolto.

Ed essendo parimente vero che io sono risuscitato e vivo, bisogna che in me vicino tutti quelli affetti e concetti che sono in uomo il qual veramente e con affetto sia risuscitato e viva.”

Juan De Valdes, “Le cento e dieci divine considerazioni”, Fratelli Bocca, editori Milani, 1944

P’INK

Torno a Forio d’Ischia, da uno dei pochi galleristi al mondo ad avere mandato sulla mia produzione materiale e i contenuti spirituali, simbolici, alchemici ed esoterici che mi direzionano e danzano intorno:

energie vive e vibranti, ponti tra vivi e morti, nel nome della verità che si è fuori dal tempo, la storia è presente e passata nel contempo con noi distratti e lontani dal mistero nella nostra essenza, tutto vive e convive dentro di noi, in quell’effimero tempio dal sapere archetipo simbolico che chiamiamo il nostro corpo.

— — — — — — — —

“Ahrimanica è la seduzione fine a se stessa, che si verifica quando un uomo o una donna eccitano apposta la tensione sessuale nell’altro per poi negargli i propri favori: duplicemente , perché eccede prima e difetta poi, Ahriman è lo stolti mestatore che intorbida la vita.”

Michele Moramarco, “Zorastrismo”, Bastogilibri, 2024

Mandato impegnativo, l’omelia di uno dei più grandi artisti della nostra generazione, P’ink (Pietro Romano, Torino 25 Aprile 1978 — Offlaga 17 Dicembre 2019) che ha espiato la colpa di vivere l’arte e comprenderne il valore simbolico:

portali simbolici sono i luoghi dove mostrerò la sua anima fatta pittura e di riflesso reliquia votiva, Gino Ramaglia (padre di Enzo e Marco) e la casa dei genitori di Salvatore Iacono divenuta portale connettivo pluridimensionale attraverso il linguaggio simbolico dell’arte, luoghi energetici che hanno memoria votiva, Genius loci, voci e storie che attraversano e investono, viverli e attraversali vuole dire ritualizzare, dialogare e conservare la memoria sta per pregare ed evocare.

In contatto con P’ink sono sempre stato, attraversiamo e ci connettiamo interfacciandoci negli stessi portali che valicano con il linguaggio simbolico dell’arte piani dimensionali.

Di questo ruolo sono stato investito dalla Dea Madre, generante l’universo di P’ink, con la quale sono entrato in contatto proprio da Salvatore Iacono durante la mia mostra nel nome di Sant’Agostino e “La vera religione”.

La Dea origine del suo universo, si muove per conservare e divulgare la sacra memoria simbolica di P’ink, tra Piemonte e Isola d’Ischia, dove a Forio opera Salvatore Iacono, e nel fare questo attraversa entità che non lavorano per veicolare la memoria di un artista che anteponeva al valore economico della sua ricerca, quello simbolico e spirituale nel nome dell’arte, conservare e divulgare il “P’ink memorial” è un’impresa di contrasto e resistenza ad energie Arimaniche, quelle incarnate dal Dio padre del suo universo, generante tormento materiale, che in questo momento confinano, osteggiano e omettono il valore simbolico, sacro e spirituale dell’arte nel nome della sua mercificante svalutazione.

Da Ramaglia due tele consunte, realizzate tra il 1998 e il 2000, vissute, reliquie della mia generazione che m’accompagneranno da Napoli a Forio.

“Psyché” sono materia, sangue, corpo che lascia muovere l’anima che l’ha abitato e liberando lo spirito arriva a Forio, dove a Forio la Dea originante, mi ha incontrato e fatto rincontrare P’Ink, con lei la mia ricerca tradotta in energia viva si è riconnessa con quella di P’ink nel nome di Sant’Agostino, l’arte è connettore dialettico tra vivi e morti, linguaggio che veicola, ci veicola e ci orienta da un altrove originario, con energie che sanno cosa dobbiamo fare per mandato karmico universale che ci posiziona e relaziona.

P’ink ha vissuto il nostro futuro, ha tatuato corpi che soffrivano con lui la sua origine e la sua squalifica spirituale, tatuava sacralmente quando il tatuaggio era esorcizzato: lo sapeva veicolo e volano simbolico alimentatore e integratore d’energie spirituali, ha visto dinanzi a sé muovere la famiglia in una direzione determinata dalla dominanza fallocratica, disgregante, distruttiva e generativa di tensioni e conflitti, rispondeva con la spiritualità, l’armonizzazione del vortice che lo circumnavigava e che ha sempre visualizzato con le energie che lo crescevano, muovendo il suo lavoro, disperdendole tra l’Emilia Romagna, il Piemonte, la Campania e in giro per il pianeta, come me, una vita silente e spiritualmente connettiva, determinante religione, spiritualità, vita, esistenza, resistenza, fede di senso nel mistero del senso da trovare.

La fede di P’ink è la mia, energie diverse quando si riaggregano attraverso portali generati da loro fuori dal tempo, determinano spiritualità comune vicino alla nostra essenza divina, portali e piani dimensionali che viaggiano oltre di noi, l’arte è seme originario che ci muove facendoci incontrare all’infinito.

P’ink non è morto in un incidente stradale, si è mosso verso un viaggio che ha visto, visualizzato e costruito, camminiamo insieme in un percorso di fede vera, che nulla ha a che vedere con ciò che di circense e carnascialesco, osceno e ameno, ci distrae da noi.

Pietro Romano, formalmente ci ha lasciato esanime sulla roggia di Offlaga il 17.12.2019, il P’ink Memorial muove per armonizzare la sua energia uscita dall’incubo del corpo e dai limiti della materia.

P’ink non è polvere conservata nell’urna di casa, è agonia terrestre in un corpo smarrito in una roggia lontano dai nostri incubi e tormenti, la sua luce c’è ed è nei suoi quadri che paiono nelle nostre navigazioni quotidiane, fari archetipali che ci indicano chiaramente che un altrove c’è.

PSYCHE e CORPO di Antonio Milanese (Comandante Polvere):

Nel Regno della necessità l’uomo compie il suo percorso mediante l’esercizio della crudeltà e della violenza.

La morte il momento dell’ uscire dal suo incubo, dell’ implosione di tutti i sensi, ma ciò nonostante la nostra “Psyché” non percepisce la nostra fine, la nostra “Psyché” non crede alla morte, nella cultura cristiana non c’è la tragedia ma speranza, pur attraversando situazioni tristi, dolorose, terribili.
Questo concetto cristiano nasce dalla osservazione sulla natura, dal tempo ciclico.

Con Cristo il tempo diventa una traiettoria e acquisisce il tempo infinito, un futuro positivo che auspica l’eternità dell’ essere e delle cose che non appaiono ma accadono in ogni nostra azione, in ogni istante della nostra vita.

Tutte le cose nascono, periscono e vanno nel nulla.

La morte è il momento dell’ uscire dal nostro incubo.”

POLVERE

Ph Vincenzo Zannini

Info:

mimmodicaterino@cagliariartmagazine.it

IL PENSIERO MALIGNO NELL’ ARTE.

Alcuni artisti pittori/teologi esortono a non credere che solo il bello sia seduzione, c’è anche la visione dell’ orrid, dell’ informe, dell’ incubo, la rappresentazione della follia straziante che sono più seducenti.
Il demoniaco è il nulla, non ha natura, è il non essere che si presenta nauseante, orribile, il pensiero espresso con ira.
La decorazione plastica simbolica delle Cattedrali gotiche costituiscono una visione insuperabile non solo figurativa ma anche da quella letteraria che nel tempo acquistano nuovi significati, linguaggio, nuovi riti e nuovi miti. Pura irrealtà dagli effetti tragici, da incubo.

Il fantasticare può anche essere un modo di rendersi conto della realtà; chi non ha fantasia non sa vedere.

La fantasia domina l’anima dell’ artista attraverso la rappresentazione trasgressiva, l’arte è artificio è un disagio continuo che prevale nel tempo in cui si vive perché ci si allontana dall’ideale classico della visione magica della natura per percorrere la visione tragica che assilla l’animo umano e ne prende il sopravvento.
L’artista delinea un mondo orrendo  ad intendere il senso profondo dell’ uomo per fuggire da un mondo maligno, crudele, peccaminoso, dispettoso, pieno di frode.

La risposta è nel vento.

POLVERE

“Il nostro sistema scolastico si basa sull’accumulo di nozioni, ma in realtà maggiore è la quantità di dati che raccogliamo, maggiore è la confusione che ci avvolge, e inoltre perdiamo di vista la saggezza innata in ciascuno di noi.

Impariamo quindi a chiedere la verità, a bussare alla porta del nostro essere: questo è ciò che viene conosciuto come intuito, creatività, visione o profezia.

Per questo motivo il saggio si focalizza su colui che vede anziché sulla scena osservata. Il veggente è il sé non locale.”

Deepak Chopra, “Le coincidenze”,Sperling e Kupfer, 2008

Firenze ha una sua forza e specificità nella promozione della street art, che a nel tessuto urbano a cielo aperto dialoga con la culla del Rinascimento origine del ruolo sociale, intellettuale e culturale dell’artista e delle arti maggiori.

Sono numerosissime le gallerie e gli studi d’artista che promuovono il linguaggio di genere, legittimando la strada come galleria e da galleria ne incarnano la rappresentazione in una modalità d’intermediazione alta e di mercato il genere.

La più interessante che ho visitato è la Street Levels Gallery, di Gianluca Milli, in Via Palazzolo 74 AR e in Via Melegnano 4R, che tratta artisti molto presenti nel tessuto e nella topografia urbana della città come Ache 77, Exit Enter, Kraita 317, James Vega, Miles, Nian e Taleggio (solo per fare qualche nome, il pacchetto artisti è molto ampio e lo trovate al link https://www.streetlevelsgallery.com/).

Vivacità culturale nell’ambito dell’arte urbana che Napoli in questo momento non ha (almeno in relazione al settore di genere, eppure storicamente Napoli è stata leader e traino di settore) tradotta in mercato e collezionismo educato a seguire e inseguire l’artista a cielo aperto in ambito urbano, nell’area Napoletana cosa avviene?

Gallerie che promuovano l’arte urbana a cielo aperto totalmente assenti in area metropolitana non pervenute, l’unica di settore è la Street Art Gallery di Salvatore Iacono ma è a Forio d’Ischia, si colloca però sulla sponda opposta dell’intermediazione, quella della processualità diretta.

Da Salvatore Iacono l’artista entra in un domicilio urbanizzato, si relaziona direttamente allo spazio come fosse in strada e quando interviene in altre modalità  lo fa in maniera sacrale, operando in un tempio spirituale del linguaggio che si eleva su tutto in maniera cruda e pura, la galleria è in Via Costantino 28 a Forio d’Ischia.

A Napoli di grande interesse sul tema c’è soltanto la programmazione del Foyer del Teatro Bellini, ricognizione di quanto avviene in area Napoletana e tentativo di sistematizzarlo, in Via Conte di Ruvo 14, che propone dal 25 Gennaio al 9 Febbraio “Luma, Monster Pop” di Luigi Massa, i Luma sono mostri che incarnano le sue paure e ansie, escono dal Vesuvio e vivono tra noi e si propongono come fautori dell’amore, sento la loro voce (“amò tutt’a posto?”, “Frate carnale me daje rojé euro?”), Luigi le empatizza, tramutando il mostro in qualcosa di benevolo, in fondo a Napoli lo facciamo tutti, le paure e i mostri sono energie che vivono e convivono con noi, bene armonizzarle, Luigi Massa è classe 1985 ed un Graphic designer.

La questione che pongo è:

Perché a Napoli non c’è un privato, un gallerista come Gianluca Milli a Firenze o come Salvatore Iacono a Forio (collocato in modalità diametralmente opposta ma dialettica) che a suo modo investa su quello che strada e urbanizzazione determinano nel panorama dell’arte e della cultura?

Possibile che a Napoli tutto si sia fermato a una lettura e una interpretazione della street art in chiave moralista di propaganda al servizio dell’ideologia politica o del turismo da cartolina di massa?

Chiaro che questo non sarebbe mercato dell’arte, ma neanche didattica e dialettica, ma assistenzialismo fine a se stesso e all’ordinare e omologare lo sguardo di chi tenta di scindere tra ciò che è arte e ciò che non lo è!

“Di solito vediamo solo rapporti di causa effetto (questo ha provocato quest’altro, che a sua volte è all’origine di questo e questo).

Ma sotto la superficie sta succedendo qualcosa altro, seppure invisibile ai nostri occhi, c’è una complessa rete di connessioni.”

Deepak Chopra, “Le coincidenze”,Sperling e Kupfer, 2008

Di tanto in tanto mi muovo verso Firenze, questione di ricerche artistiche che seguo e quando posso propongo, chiaramente noto le differenze d’impostazione di presentazione e divulgazione delle processualità dell’arte contemporanea ed anche come le si ponga in dialogo con il passato.

Il caso mi ha portato nelle mie sciolte rotte di movimento, alla “Contemporary Art Gallery for Women”, Borgo S.Frediano 131r, modello di galleria d’arte contemporanea al femminile che programmaticamente recita sul suo profilo social:

“E’ il poeta che cerca e interroga ogni lato oscuro della natura; è lui che parla alle stelle tremolanti di raggi nelle notti estive; è lui che ascolta il ritmo del mare, quasi fosse il metro per cui il suo verso scandisce; è il poeta che conosce la virtù dei semplici, è lui che scoverte certe leggi naturali, ignote a tutti; è il poeta civile che uccide le bestie, fa rasciugare le paludi e fa sorgere a quel posto palagi e giardini; è il poeta che insegna ai giovani giuochi dove il corpo si fortifica e l’anima si serena; è lui, sublime fantastico, che stabilisce l’augurio della buona o della mala ventura; è lui che come calamita fortissima attrae a sé l’amore, l’ossequio, il rispetto; è Virgilio poeta.

E nulla si sa della sua morte.

Come Parthenope, la donna, egli scompare.

Il poeta non muore.”

Matilde Serao, “Leggende Napoletane”, Colonnese, 2024

Il Museo di Capodimonte è eccellenza planetaria, poco da discutere, opere della sua collezione viaggiano e tornano a casa per chi ha la sfortuna di non vivere a Napoli, altre arrivano a dialogare con la collezione a tempo determinato, questo è il caso de “Les demoseilles de bourds de la Seine” di Gustave Courbet,a Capodimonte dal dal Petit Palais, Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris, dal 7 Novembre è esposta per essere fruibile fino al 23 Febbraio del 2025.

Il dipinto venne esposto la prima volta nel Salon Parigno del 1857 determinando scandalo, contribuendo a determinare quel filone Accademico di marketing, che nel nome della provocazione alimenta e implementa il valore di un mercato dell’opera.

Motivo dello scandalo era porre l’attenzione sulla quotidianità, cosa che oggi fanno tutti via social network e media integrati, pensateci quando vi scandalizzate o demonizzate certi post, stati o fotografie di amici o amiche cha fanno ciò che vorreste fare o vivere voi, pongono in essere quel processo di comunicazione e provocazione insito nell’ordinario quotidiano, che l’antiaccademico Courbet determinava a metà Ottocento e che ora è entrato con forza a volgarizzare e imbruttire le nostre vite, lavorando per definire il Sé attraverso la squalifica di ciò che non si integra finendolo per legittimarlo e istituzionalizzarlo.

L’opera creò scandalo perché in una giornata estiva, le due ragazze giacevano in riva al fiume, atmosfera calda e pelle sudata alimentavano pulsioni erotiche, arrivando a identificare le due giovani come prostitute nel nome del loro essere indolentemente adagiate sull’erba con pigrizia.

In esposizione temporanea al Museo di Capodimonte anche il lavoro di Gaia Fugazza, artista milanese, classe 1985 che vive e lavora a Londra, “Sete” titola il suo intervento espositivo che conclude una sua residenza d’artista presso l’istituto ad indirizzo raro “Giovanni Caselli”: la ricerca si muove tra mito e inconscio mitopoietico, focalizzando un tempo della storia dove le creature del cielo e quelle degli abissi erano unite nel nome dell’evoluzione, muovendosi intorno al fulcro del corpo femminile precipitato in relazione osmotica con la natura, l’intervento inaugurato il 31 GENNAIO  sarà fruibile fino al 18 MARZO 2025.

Per bilanciare la relazione tra ospitante ed ospitati, invito a soffermarvi su due lavori: uno è l’autoritratto di Sofonisba Anguissola (Cremona 1531-Palermo 1626), “Autoritratto alla spinetta” 1555, l’altro è di Elisabetta Sirani (Bologna 1638-1665), “Timoclea precipita nel pozzo il capitano Alessandro Magno” del 1659, così ci ricordiamo che l’arte è sempre stata donna, il termine Artista ha una declinazione femminile perché senza sensibilità e creatività al femminile, senza elevazione coscienziale che passa per la connessione sincretica tra parte destra e sinistra del cervello, l’arte rischia d’essere relegata a processo “tecnico”, nel nome del quale si è servi mai funzionali a un elevazione del Sé di cui possano fruire spiritualmente gli altri.

Dalla civiltà Nuragica
alla Banana di Cattelan.

Nell’ isola che non c’è dalla civiltà Nuragica alla Banana, il passo è breve. È mancata la crescita culturale per l’incapacità delle istituzioni di osservare e riflettere sul mondo dell’arte nella sua essenza quotidiana a causa del crollo della conoscenza, forse si considera che la natura dell’arte si è fatta incerta, o quanto meno ambigua, forse si può ricorrere alla Banana in mostra in ogni luogo istituzionale e di culto per creare un dibattito visivo su ” che cos’è l’arte nel contesto sociale”.

Comandanate Polvere

Sgarbi è “Accademia Nuragica!”

A Capoterra lo scorso 22 Dicembre, lo storico dell’arte Vittorio Sgarbi è stato ricevuto in pompa magna dall’amministrazione comunale di maggioranza, a suo tempo eletta in un ballottaggio con il 55% d’astensionismo e lo 0,1% di maggioranza sul 45% votante.
L’ evento natalizio era la presentazione del libro dello storico dell’arte Vittorio Sgarbi: uomo brand le cui cariche politiche nei decenni si sprecano e s’incrociano con il suo profilo di storico dell’arte, curatore, critico e autorevole (a tratti autoritario) opinionista mass mediatico.
A Capoterra, nella cornice della Parrocchia di Sant’Efisio ha presentato il suo libro “La Natività”.
Mai nutrito riserve riguardo la preparazione Storica del critico, storico, curatore e politico Vittorio Sgarbi: nel 2010, venni incaricato da un’associazione culturale di Sant’Antioco, tramite il cantautore Ignazio Pepicelli, di sostituirlo, lo fecero cittadino onorario con la speranza di porre all’attenzione nazionale gli artisti locali (come l’allora vivente Scultore Gianni Salidu), ma a fronte della cittadinanza onoraria, scoprirono che non si sarebbe pronunciato di volta in volta sugli artisti locali se non adeguatamente remunerato: uno Storico dell’arte che sa dare valore alle sue competenze,  nel nome di questo, l’opposizione attraverso la voce dell’ex Sindaco Francesco Dessì sostiene: “che quelle seimila euro potevano essere spese meglio!”.
Avendo pubblicato in passato qualche libro con piccole case editrici nazionali, so bene che contrattualmente la promozione del libro è da contratto,  la promozione privata di un libro non è un poco in conflitto d’interessi con la sua remunerazione?
Il tariffario dello Storico dell’arte è cosa ben nota, i suoi spazi di promozione mass mediatici  immensi e sconfinati, promozione di un libro autorevole di un lavoro molto ben distribuito a livello nazionale.
In termini di stile politico non mi pare il massimo riceverlo in costume tradizionale, con seimila euro  si sarebbe potuto ricordare Primo Pantoli, che a Capoterra parrebbe non essere mai passato…
Mi viene in mente il mio tariffario per il tanto vituperato progetto “Accademia Nuragica”, seimila euro complessive non le ho intascate per il progetto della prima edizione di “Martirio Plastico” (quattrocento euro), per la prima edizione di “Accademia Nuragica” (1200 euro per progetto e realizzazione collettiva con gli artisti residenti) e per la seconda edizione (dove ho progettato l’impianto d’insieme delle sculture, anche in questo caso 1200 euro progetti e realizzazione), facendomi i conti in tasca guadagnai (in perdita visti i costi di lavorazione, una settimana dopo l’altro dovevo ricomprarmi l’attrezzatura), 3000 euro in tre anni (la metà di quanto intascato da Sgarbi per promuovere il suo libro).
Scrivo e ricordo questo non per criticare l’attuale maggioranza e neanche per sostenere la minoranza, la povertà di contenuti artistici di maggioranza e opposizione si qualifica da sola in un territorio dove l’arte o è passatempo mass mediatico o socialismo popolare folk, non pervenuta la terza via, quella della dimensione processuale e progettuale di una comunità che utilizzi l’arte contemporanea come strumento di studio e indagine d’elevazione coscienziale collettiva, dando valore simbolico e poi economico a quello che si processa come bene comune, con quel territorio ho reciso il legame (privato e pubblico), ma questo non vieta a distanza di coltivare la memoria (almeno la mia).

LUCE!

Il giubileo del 2025 è nato brandizzato:

L’autore del brand del giubileo è il Designer Simone Legno (vive e lavora tra Giappone, Roma e States) del marchio Tokidoki, noto per avere brandizzato vibratori ed avere posizioni culturali vicino al gay Pride di cui pare scomparsa traccia via social.

La brandizzazione ruota intorno a una bambina, lei come tutta la narrazione stile Manga “Made in Japan” (posso scrivere che la cultura dei fumetti manga è abiura se comparata alle arti visive maggiori?).

Il giornalista e scrittore Andrea Cionci sostiene che la bambina pellegrina “Luce”, sia ispirata a Greta Thunberg, nel nome di uno gnosticismo non cristiano.

La bambina pellegrina portatrice di luce con bastone, lux (luce) e ferre (portare), in ambito pagano la si potrebbe ricondurre a Venere visibile all’aurora, Ishtar per i Babilonesi; Astarte per i Fenici; Inanna per i Sumeri.

Nell’ambito dell’occultismo e dell’esoterismo, Lucifero sarebbe il detentore di una sapienza inaccessibile all’uomo comune.

Alcuni cromatismi paiono invece chiari, il cappuccio giallo e blu, non ci fa pensare alla bandiera dell’Ucraina?

Ha un rosario con croce d’ordinanza e tredici palline, il numero tredici nella Cabala ebraica indica spiriti maligni, associato anche con il montone che Abramo sacrificò a Dio invece del figlio Isacco, per estensione un numero di morte, per qualcuno il tredici starebbe anche per la tredicesima tribù d’Israele che farebbe capo ancora una volta all’Ucraina (ma questo mi pare pretestuoso).

Il bastone a forma di Y rimanda al bastone di Virgilio, al Serpente come strumento necessario per elevarsi coscienzialmente.

L’alchimia e l’esoterismo, non dimentichiamolo, sono all’origine del Cristianesimo, la loro condanna venne emessa dal papa Giovanni XXII con la bolla “Spondent pariter” del 1317 (per inciso lo stesso Papa era un alchimista e la bandì perché temeva potesse essere usata contro di lui).

La nostra “Luce” si muove con scarpe sporche di fango, metafora di quanto sia arduo un percorso di ricerca di senso in una società così complessa ma direzionata per target di riferimento.

Luce si muove con dei compagni di percorso:

– Un uccellino bianco di nome “aura”, con tre foglie di ulivo che porta con le zampette, una colomba che porta padre, figlio e spirito santo.

– Un angioletto chiamato “Iubi”, con ali e cappello alato come Hermes, sul cappellino ha una croce e un’ancora, vola ma sa d’essere in mare aperto ancorato al pianeta.

– Un cane bianco, “santino”, simbolo di fedeltà, lealtà e ubbidienza.

“Luce” ha negli occhi l’iride che pare un fiore con nove petali, ma pare anche una conchiglia che l’accosterebbe nuovamente a Venere-Lucifero, in alto nell’occhio compare un riflesso, un sole ovaloide o un disco volante.

“Luce” ha anche degli amici, “Friends” (Free-Ends sostiene lo scienziato Corrado Malanga):

“Fe” ha un giubbino rosso (fuoco), è un maschietto di colore, ha a sinistra un libro di fede.

“Xin” è una ragazza, ha giubbino verde(acqua) con orecchie e ha sinistra ha un orsetto, nella cultura tolteca l’orso indica coraggio (il coraggio dell’ascolto?).

 “Sky” è una ragazza, ha destra una chitarra, giubbino colorato di blu (cielo) ed essenza creativa, in altre parole sono tre elementi che completano “Luce”.

La campagna di brandizzazione ridonda d’immagini, c’è un’immagine con Aura, Luce e Santino che guardano a sinistra (Luce e Santino con occhi chiusi), con dietro la Vergine Maria o Iside (sostiene Corrado Malanga), che ha riflessi negli occhi i nove petali di un fiore o conchiglia e una cometa con una stella a cinque punte, i cinque elementi metafisici dell’acqua, dell’aria, del fuoco, della terra e dello spirito. 

Il simbolo del Tokidoki che fa capo al Designer Simone Legno?

Ricorda le anime pie del purgatorio? 

A Napoli sono ancora oggetto di culto, ma non sono state considerate nemiche dei Santi?

Simbolismi complessi che sintetizzano memoria e storia di un pellegrino che siamo noi, che in eterno attraversiamo il tempo, la vera questione è dove stiamo andando, in che direzione sta andando lo Stato Vaticano? 

Chi si sta adorando? 

Chi pratica il simbolo sa che il simbolo non direziona nessun altro che non sia l’individuo, la sua scrittura va oltre ciò che presenta come dogma e ci direziona dove sappiamo e dove vogliamo, accomunandoci e distinguendoci tutti, la risposta e la soluzione dell’enigma è nel fedele e nel suo santino di riferimenti, cosi sia, Amon…, cioè Amen!

Proposta Fallica, Sadica e Aggressiva.

Nella antica Grecia ed in altri luoghi e tempi, gli uomini non erano inconsapevoli della funzione naturale del fallo, e riconoscevano di essere preda del forte desiderio sessuale di manifestare con violenza la passione animalesca, oggi la violenza sulle donne è pratica quotidiana.
Nel campo dell’ arte ci sono moltissime raffigurazioni su queste pratiche, molto spesso con esseri mitologici per metà capra e metà uomo.

Artisti greci testimoniavano nelle rituali manifestazioni Dionisiache pagane e religiose enormi falli trasportati in cortei danzanti al suono dolce del flauto del dio Pan. In sul onore venivano costruiti templi e luoghi di culto.

La vitalità del fallo era insaziabile, atti naturali, istintivi e permissivi.

Molte sono le leggende, storie d’amore sublimate e poi narrate nei diffusissimi teatri di personaggi eroici e mitologici , spesso con finali drammatici. Opere famose sono le storie di Euripide, l’Odissea e l’Iliade, Orfeo ed Euridice,  Eracle e Onfale, ecc.

L’oggetto dall’ atteggiamento sensualmente persuasivo, rimanda ad una felicità senza dovere e senza responsabilità è il male dei nostri tempi per le violenze quotidiane che subiscono le donne.

Viviamo la nostra libertà sempre di più in situazioni che provocano un ansia insopportabile perché mancano informazioni Culturali su atti e fatti che subiscono gli individui.
A ragione o a torto l’inconveniente del dubbio criterio, il rapporto tra opera e realtà rischia di rendere ciechi alle sue virtù essenziali ed il fallo si trasforma in un buon esempio di perversione ” stravagante”.

L’opera si presenta sospesa in una eccitazione astratta guidata dal desiderio e dal piacere, sempre disponibile e priva di riguardo nei confronti della bellezza e in genere della forma.

L’oggetto diventa un fenomeno mediatico, e svolge il suo ruolo limitato per scarsa conoscenza culturale, oltre il senso del desiderio non c’è nulla.

La sensualità umana si manifesta in una varietà di forme e procedure pervertite che funzioneranno da antagonismo di fondo.

Antonio Milanese, Comandante Polvere